Flavia Manyari - 17 juin 2021
L'oeuvre « Sans titre (aquarelle) » (1910) de l'artiste Vassily Kandinsky
Cette semaine, nous avions envie de revenir sur un mouvement majeur du XXème siècle : l'art abstrait.
L’art abstrait est un mouvement artistique mettant en scène des taches de couleur, des formes géométriques, des lignes en ne tenant pas uniquement compte des lois de la perception normale des choses, mais en ayant la volonté de les déformer.
Pour comprendre l’art abstrait, il faut d’abord connaître la signification du mot abstrait. Dans sa définition la plus générale, "abstraire" illustre l’action de séparer un trait ou une qualité d’un objet dans le but de l’analyser dans son état pur. A travers nos différents sens, il nous aide à mieux percevoir ce qui n’est pas visible à l'œil nu.
La caractéristique principale de l’art abstrait, comme l’indique sa définition, est la volonté de s’éloigner d’une représentation objective des éléments du monde naturel en déformant le réel.
Connu comme le mouvement opposé à l’art figuratif, l’art abstrait devient une forme artistique majeure à partir du XXème siècle. Il tient principalement ses origines de deux mouvements artistiques préexistants : l’impressionnisme et le cubisme.
L’essor du mouvement impressionniste se traduit essentiellement par une opposition aux formules artistiques de l’époque. Les artistes se détachent d’une réalité objective et mettent en avant des traits de pinceaux aux couleurs épurées. Toutefois, si les techniques employées par les impressionnistes permettent de créer des représentations floues et éloignées de la réalité, elles restent toujours reconnaissables à l'œil nu.
L'oeuvre « Impression, soleil levant » (1872) de Claude Monet
Mouvement d’art moderne plus récent, le cubisme s’inspire aussi de la réalité mais se distingue par sa déformation automatique de cette dernière. Si l’on associe principalement le cubisme au précurseur majeur de l’art abstrait, c’est notamment pour son intention de se séparer complètement d’une représentation objective de la vie réelle. On ne souhaite plus uniquement refléter la beauté de la réalité, chose que l’impressionnisme tendait encore à faire à cette époque.
L'oeuvre « Les Demoiselles d’Avignon » (1906-07) de l'artiste Pablo Picasso
Succédant à l’impressionnisme et au cubisme, on peut dire que l’art abstrait fait sa première apparition à travers Vassily Kandinsky. En effet, c’est son œuvre « Sans titre (aquarelle) » datant de 1910 et dont l’artiste peintre n'a enregistré que plus tard dans sa collection, qui marquera l’esprit des peintres de l’époque. Kandinsky participe grandement à la théorisation du mouvement abstrait. Il considère la représentation de la réalité comme secondaire, et même nuisible aux créations artistiques. Selon lui, la beauté de cet art repose avant tout sur l’utilisation brute des formes et couleurs.
Professeur du Bauhaus, l’autre pionnier du mouvement est le peintre d’origine allemande, Paul Klee. Ce dernier met en place la théorie selon laquelle l’art abstrait permettrait non pas de « représenter le visible » mais de le « rendre visible ». Néanmoins, le peintre allemand n’exclut pas l’utilisation d’éléments figuratifs dans ses peintures abstraites.
Kazimir Malevitch, avant-gardiste russe, constitue un parfait exemple de l’artiste qui prend des sujets et objets de la vie réelle comme inspiration dans le but de créer son art. Le peintre russe fait également partie d’un des pionniers du mouvement d’art moderne qu’on nomme le suprématisme. Né durant la Première Guerre mondiale, l’émergence de ce mouvement repose essentiellement sur un combat contre le totalitarisme politique. Les artistes s'efforcent de déformer la réalité dans l’objectif de donner la possibilité à la population de s’éloigner des limites imposées par la vie réelle.
L'oeuvre « Homme dans les champs » (1931-32) de l'artiste Kazimir Malevitch
Intitulée « Homme dans les champs », cette oeuvre de Malevitch utilise les principales caractéristiques de l’art abstrait de l’époque tout en permettant à l’oeil humain de distinguer le sujet de son environnement. Il existait ainsi déjà un besoin permanent de déformer la réalité, sans pour autant se défaire entièrement de son essence.
L'oeuvre « Contre-relief » de l'artiste Vladmimir Tatline
Toujours en Russie, le constructivisme, à la fois mouvement artistique et style architectural, reflète l’importance de l’espace et des figures régulières dans le fondement de l’art abstrait. De la même manière que le suprématisme, le constructivisme souligne l’usage des couleurs primaires tels que le bleu, le rouge, le jaune mais aussi le blanc et le noir. Également appelé « l’art de la construction », le principal fondateur du mouvement est Vladimir Tatline. Pour le peintre sculpteur russe, ce genre artistique donne beaucoup d’importance aux matériaux utilisés. Clous, bois, verre, plastique sont au centre des créations constructivistes. Le constructivisme donne également naissance aux premières sculptures abstraites.
« Composition avec rouge, jaune et bleu » (1930) — Piet Mondrian
A partir des années 30, les oeuvres abstraites s’éloignent encore plus des représentations de la réalité et se rapprochent davantage de l’art abstrait contemporain. L’essor de ce nouveau genre découle notamment du néo-plasticisme et de son précurseur, Piet Mondrian. Oeuvre phare du mouvement, la peinture de l’artiste néerlandais, intitulée « Composition avec rouge, jaune et bleu », dépeint toujours l’importance des lignes et couleurs qu’on retrouve dans l’art abstrait d’origine. Toutefois, contrairement aux mouvements précédents, la volonté de faire référence à des objets ou sujets de la vie réelle est devenue inexistante. La symbolique n’est plus au centre du mouvement.
L’art abstrait se caractérise aussi par l’apparition d’un nouveau moyen d’expression pour les artistes. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, c’est un style inédit de l’art abstrait qui émerge : l’abstraction lyrique. En s’écartant des règles prédéfinies, c’est l’expressivité, l’intuition et la spontanéité qui l’emportent au sein de cette forme du mouvement. Contrairement au constructivisme et au suprématisme, l’utilisation des couleurs prédomine sur les formes.
L’abstraction lyrique se partage principalement en deux courants. Le premier, appelé « expressionnisme abstrait », émerge aux Etats-Unis tandis que le deuxième fait son apparition quelques années plus tard en Europe. Ce mouvement donne également lieu à de nouvelles techniques artistiques comme le tachisme, le frottage, le grattage ou encore le collage qui seront au centre de l’abstraction lyrique. Peintre français, Georges Mathieu devient l’un des pionniers de l’abstraction lyrique et participe également à la réunion entre les courants émergents aux Etats-Unis et en Europe. Il est aussi le premier artiste à mettre en place des performances, notamment à travers son œuvre « Hommage au Connétable de Bourbon » qu’il peint en 4 minutes lors d’une de ses expositions.
L'oeuvre « Hommage au Connétable de Bourbon » de l'artiste Georges Mathieu
The Art Cycle présente un catalogue divers d'œuvres abstraites, dans lequel on retrouve de l’art abstrait géométrique comme lyrique. Tout comme les artistes précurseurs du mouvement, nos artistes ont la volonté de transmettre des émotions dans leurs créations. Formes, lignes et couleurs sont également au centre de leurs œuvres. Les univers rencontrés sont tous différents les uns des autres. Certains se reposent davantage sur un style plus formel et réfléchi, où tous les traits donnent l’impression d’avoir été calculés au millimètre près. C’est notamment le cas d’une œuvre de Diane Segard, intitulée « Quadrillage » où l’artiste soumet des formes géométriques dans le but d’illustrer ses inspirations. Toutefois, la dessinatrice française ne souhaite pas limiter les pensées du spectateur à sa seule représentation. Elle insiste sur la liberté du spectateur à réfléchir sur la vraie signification ou source de ses créations.
L'oeuvre « Quadrillage » de l'artiste Diane Segard
D’un autre côté, Laetitia HR appartient plutôt aux artistes d’art abstrait lyrique, notamment dans son usage des couleurs et des techniques de peintures. Ses travaux reflètent une recherche de la matière et de la gestuelle, qu’elle met en valeur dans son œuvre intitulée « Sous la pluie ». Au sein de son travail, l’artiste mélange figuratif et abstraction. Si le cheval est le seul élément objectivement reconnaissable, la prédominance des couleurs vives fond l’animal dans le décor.
L'oeuvre « Sous la pluie » de l'artiste Laetitia HR
L'artiste peintre, Salima Mékahli utilise l’abstrait pour refléter son état émotionnel et ce à travers une harmonie de couleurs.
Le mouvement abstrait constitue un art plutôt récent et qui continue d’évoluer aujourd’hui. Il reflète la recherche constante d’une nouvelle manière d’exprimer ses sentiments, ses pensées et sa vision du monde, que ce soit à travers les couleurs, les formes mais aussi la technique. Dans l’abstraction, le médium et le support que choisit l’artiste ont un rôle plus qu’important. Refusant de se baser sur la réalité, le peintre décide de se servir de la grande diversité de techniques qui s’offre à lui ainsi que de la complexité et puissance de son propre geste pour faire parler son art et donc sa liberté.
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